Ennio Morricone, in Konzert

Gran expectativa existe por escuchar las famosas bandas sonoras que el compositor escribió para clásicos del cine como “El Bueno, el Malo y el Feo”, “Los Intocables”, “La Misión” y “Cinema Paradiso”,  interpretadas por la Orquesta Sinfónica de Chile y el Coro Sinfónico de la Universidad de Chile, bajo su dirección en las dos únicas presentaciones los días 18 y 19 de junio en el Movistar Arena.

Luego de sus inolvidables conciertos el año 2008 donde congregó a más de 20 mil personas en espectáculos gratuitos, el compositor y director italiano Ennio Morricone vuelve a Chile en el marco de la gira que realiza  con motivo de la celebración de sus 50 años de carrera.  En esta oportunidad,  ofrecerá dos presentaciones los días sábado 18 y domingo 19 de junio, a las 20:00 horas, en el Movistar Arena de Santiago y lo hará nada menos que con la Orquesta Sinfónica de Chile y el Coro Sinfónico de la Universidad de Chile.
La presencia de Ennio Morricone ha concitado un alto interés en el público que agotó las entradas de su primera actuación lo que motivó la programación de un segundo concierto.
En esta oportunidad, el Movistar Arena será habilitado  a la mitad de su capacidad para provocar una atmósfera más cercana  con el público que espera escuchar éxitos como  composiciones de “El Bueno, el Malo y el Feo”, “Los Intocables”, “La Misión” y “Cinema Paradiso”,  entre otras.
Los ensayos con el Maestro Morricone comenzarán el 14 de junio con la Orquesta Sinfónica de Chile, en su primer concierto bajo la batuta del famoso músico, y con el Coro Sinfónico de la Universidad de Chile que ya lo acompañó el año 2008 con la Orquesta Sinfónica de Roma.
Morricone, de 82 años, tiene un repertorio de más de 500 partituras de cine y televisión, siendo el creador de música de películas más prolífico de la historia.  Tiene 26 discos de oro, 40 millones de discos vendidos, un Grammy y un Oscar Honorífico de la Academia de Hollywood como homenaje a su dilatada carrera artística de  50 años.

La flauta Traversa

Fuente: Google (:

La flauta traversa es un instrumento musical de viento, por lo tanto familia de los aerófonos. A pesar de que está hecha de metal, está considerada dentro de la familia de los instrumentos de viento de madera, ya que antiguamente era de ese material. Ha sido siempre uno de los más admirados instrumentos.

El origen de la flauta es muy antiguo. La historia de la flauta traversa comienza muchos siglos antes de Cristo, cuando se hacían instrumentos en hueso como silbatos, que si bien no se parecían a este instrumento, si fueron sus precursores. Por todo el mundo las civilizaciones usaban flautas de madera, hueso y caracolas, en ritos y ceremonias debido a eran asociadas a la fertilidad. Por mucho tiempo estuvo desaparecida, pero en siglo X comenzaron nuevamente a ser utilizadas. En ese tiempo, la flauta traversa consistía en un cilindro de madera ancho, con un sonido más claro y fuerte que el de las flautas dulces. En el siglo XVI, era uno de los instrumentos más populares en Italia y pronto lo fue también en Inglaterra. Durante los siguientes siglos, la flauta traversa sufrió muchos cambios, como pasar de ser de una pieza a ser de tres, además de la incorporación de llaves para mejorar su sonido. En 1832, Theobald Boehm creó la flauta que conocemos en la actualidad.

La flauta de Boehm

La flauta traversa consiste en tubo de 67 centímetros de largo y 19 milímetros de diámetro. Está dividida en tres partes: cabeza, cuerpo y pie. Está provista de 13 agujeros y una llave para cada uno. Los trece agujeros están hechos para todos los dedos de las dos manos, con la excepción del pulgar derecho. El material más común de fabricación es la plata esterlina, aunque también las hay de níquel, oro, plata, titanio y platino. Algunas orquestas y solistas aún utilizan hermosas flautas traversas de madera. El metal es un material que se ha estado utilizando desde hace poco. Ayuda a que el sonido sea más brillante y potente. Algunos piensan que el material no afecta el sonido de la flauta, pero los expertos flautistas son capaces de distinguir las diferencias y muchos gastan cantidades impresionantes de dinero en flautas de oro y marfil.

La flauta traversa se toca tapando los agujeros o las llaves con los dedos para lograr las diferentes notas. Mientras las manos realizan la labor técnica y precisa, lo más importante es saber usar bien el diafragma para que el aire que se introduce al soplar, haga vibrar de manera correcta los componentes de la flauta. El flautista debe aprender a manejar el diafragma para lograr realizar matices, tocar forte o piano y hacer crescendos y diminuendos. El vibrato también se realiza sabiendo utilizar el diafragma, haciéndolo oscilar con mucha habilidad. Se dice entre los flautistas, que ese músculo es el que hace que la flauta cante, y para que la misma pueda hablar se usa la lengua. La lengua también debe estar muy bien entrenada ya que con ella se articulan los sonidos, es decir, se separan unos de otros. Por lo tanto, para lograr tocar con maestría la flauta traversa, dedos, lengua y diafragma deben usarse en forma simultánea y con increíble precisión y velocidad.

Los solistas destacados de la flauta traversa comenzaron a aparecer desde la segunda mitad del siglo XX. Entre ellos se encuentran Jean Pierre Rampal, James Galway, Philippa Davies, Emmanuel Pahud, Ian Anderson y Herbie Mann.

Hermoso, hasta para tocar barroco le sirve <3

Un poco de historia: El Barroco

¿Que es el Barroco?

Antonio Vivaldi, destacado compositor Barroco
y creador de Las Cuatro Estaciones

Esta era se ubica de 1600 con la ópera Orfeo de Monteverdi hasta 1750 con la muerte deJ.S.Bach. La palabra Barroco se utiliza en la arquitectura como un estilo sobrecargado y lleno de ornamentaciones. Esto no es aplicable a la música y se le llama así para ubicarla dentro de un contexto cronológico. En este período surge el llamado humanismo ,en donde ahora la música seguiría al texto ya que este último se consideraba como una expresión del hombre. Esto se logró con la presencia de una sola voz con acompañamientos que no la opacaban. Una de las formas básicas del estilo barroco fue el basso continuo; una base armónica que se presentaba durante toda la pieza, es decir, estructuras bien definidas en las que se hacen grupos de notas que se van combinando entre ellas. Con estas estructuras se crearon numerosas formas musicales como el rondó (forma musical que un tema principal alerna con otros temas diferenciados), la sonata (pieza para uno o dos instrumentosque debe "sonar" ya que se contrapone a la cantata que debe cantarse), la suite (composición que consiste en una serie melodías para danzar como  la allemanda, sarabanda, giga, gavota y el bouré y minueto), el concerto grosso (con vivaldi y los italianos como los principales exponentes), las variaciones, el preludio, la fuga y el concierto, donde se escribe para un instrumento solista y orquesta, forma musical que se mantiene hasta nuestros días.

El Scherzo Focoso

Valentin Alkan fue un pianista del romanticismo, cuyos trabajos se están descubriendo desde hace poco tiempo. Su principal característica es la brutal complejidad de sus composiciones, eminentemente para piano. A modo de ejemplo, le presento hoy el Scherzo focoso op. 34, que le entrega a la técnica pianística un camino a la inmolación, incluso para los grandes maestros. Torrentes de cuartinas, frecuentes cruces de manos e inflexibles saltos que, a diferencia de otros compositores, hace que la pieza sea y además se escuche imposible, sobre todo en el virtuosismo demostrado en la coda de la obra.

Métodos de solfeo

Bueno para todos los que quieran adentrarse un poco en el mundo de la música occidental existen estos llamados manuales LAZ (por las iniciales de sus creadores) y que ayudan bastante con el solfeo hablado y cantado. Siempre son muy solicitados en el conservatorio para estudiar, así que me ha servido bastante tenerlos en pdf. Les dejo los links de descarga <3

LAZ Método de solfeo - Tomo I

LAZ Método de solfeo - Tomo II

LAZ Método de solfeo - Tomo III

LAZ Método de solfeo - Tomo IV

La vida de Frederic Chopin

El pianista romántico por excelencia (1810-1849).

Frederic Chopin nació en Zelazowa Wola (Varsovia, Polonia) el 1 de marzo de 1810. Su padre se llamaba Nicolas Chopin y su madre Tekla Kryzanowska. Sus hermanas eran 3: la mayor: Ludwika, y las dos menores: Isabella y Emilia (que, como él, falleció muy joven por la tuberculosis) de 1 y 2 años menores que Frederic. Amaba tanto la música y su espíritu era tan especial, que al escucharla lloraba de emoción.

Chopin estudió piano con su madre, y luego con Adalbert Zywny. Pero su técnica especial la adquirió de manera autodidacta. Debuto como pianista a la edad de 8 años, el día 23 de febrero de 1818 . Continuó igualmente, y a los 13 años, estudia composición con Jozéf Elsner quien en un informe lo definió como genio, e ingreso luego en el Conservatorio de Varsovia.

Chopin era dueño de una sensibilidad muy delicada, refinada, que en ocasiones se expresa con grandes arranques de exaltacion, intentando llegar al alma de los demás, como con un grito deseperado, angustiado. Todas sus melodías, son de una gran melancolía, pero principalmente, su musica despierta el ensueño romántico, desbordante.

Incluso en su obras más veloces, Chopin, nos llena de desbordante poesía y quiere comunicar quizá, tormentos de un alma muy sensible o delicada. Fue un soñador patriótico, pero activista, colaborando para la causa, cuando fue la revolución, con una gira intensa, de conciertos, que quizá le aceleró la perdida de la vida.

 

La novena sinfonía

Corría el 7 de mayo de 1824 en el teatro Karntnertortheater. Un Beethoven cuasi totalmente sordo y derruído por la edad dirige el estreno de su última sinfonía. Al finalizar en el último calderon del compás final, Beethoven continúa moviendo la batuta y dirigiendo a la orquesta. Una soprano del coro debe indicarle al compositor que la sinfonía había concluído, y que detrás suyo, toda Viena aplaude de pie la majestuosa obra. ¿Cómo pudo un hombre abatido por la desgracia, sordo, solitario y mil veces criticado por su misantropía, la cual lo llevó a ser odiado por las mujeres que amaba, componer un verdadero himno a la alegría y a la vida? Sólo el genio de Bonn podría llevar a cabo semejante proeza. Oz dejo con el final de la Novena Sinfonía c:

¿Vocación o no morir de hambre?

¿Elegimos realmente nosotros ser profesores para enseñar a los demás el arte que profesamos con profusión, o simplemente lo hicimos a modo de tener algo de lo que podamos vivir?

Difícil, puesto que seguramente la idea de ser músico profesional, como pianista de concierto o guitarrista de una banda de rock, nos lleva a la conclusión (y a nuestras familias, quienes pagan finalmente!) de que es una profesión arriesgada, que consumirá nuestra vida y que no tiene altas espectativas económicas ni laborales.

Pues es exactamente igual para un profesor de música.

En el libro Niebla de Miguel de Unamuno, la madre de Eugenia le llama la atención a su hija, profesora de piano, acerca de que la música no sirve para nada más que para enseñarse. Para una seria reflexión acerca de nuestra vocación, invito a vosotros a pensar acerca de qué es lo que están haciendo.

Partituras? Todas las obras de la música clásica en un sitio

http://www.imslp.org/ De dominio público, contiene una recopilación casi completa de todas las obras clásicas de los autores más influyentes de la música, desde el renacimiento y la edad media hasta música contemporánea. Ruego a usted gozar y llegar a un brutal éxtasis a la hora de visitar este dominio.

Orfebre de la música

La cinta de Mobius consiste en una banda de papel que, al ser doblada y pegada en sus extremos, crea una sola cara de papel, cuyo contorno es infinito si lo siguiésemos con un lápiz.

Este fue un invento de los científicos alemanes August Ferdinand Möbius y Johann Benedict Listing en 1858.

Pero más de cien años antes, el genio de J. S. Bach utilizaría un sistema prácticamente igual para componer el famoso Canon Cangrejo, consistente en una sola pauta escrita en un papel de forma longitudinal, la cual se toca primero de manera normal, luego al revés, luego ambas al mismo tiempo, y finalmente utilizando el sistema de la banda de Mobius, generando una melodía a dos voces en una sucesión infinita, pero cada vez distinta.
Todo esto, conservando la armonía y demostrando además la presición contrapuntística del genio de Eisenbach.
Quedará claramente explicitado en el siguiente video ;3